Esploriamo le radici culturali del tamburo in Africa e in Occidente, mettendo a confronto l’approccio tribale e comunicativo con quello militare e accademico.

Ripercorriamo la nascita del jazz a New Orleans come incontro tra culture, enfatizzando la natura istintiva, non accademica e collettiva dell’embrionale batteria jazz.

L’importanza di un ascolto attivo e dettagliato per riconoscere e interiorizzare le componenti musicali, fondamentali per sviluppare un pensiero strumentale consapevole.

Il maestro invita a respirare con la musica e a muoversi con fluidità e ampiezza, per produrre groove che rispettino la natura ciclica e ondulatoria del tempo.

Il concetto di “suonarsi dentro”, ovvero l’interiorizzazione del ritmo e del groove prima di tradurlo sullo strumento in modo coerente e naturale.

Come gli altri strumenti musicali possono diventare materiale didattico per il batterista, cercando i rudimenti nella musica reale piuttosto che solo nei metodi scritti.

Analizziamo le relazioni tra rullante, piano, cassa e basso, mostrando come il batterista debba pensare armonicamente e suonare con coscienza melodica, in sinergia con l’ensemble.

I rischi dell’ego musicale, valorizzando il ruolo del batterista come supporto intelligente e mai invadente, capace di dare spazio alla musica piuttosto che a se stesso.

Mettiamo in luce il valore dello studio a volumi bassi come esercizio di controllo dinamico e rispetto dell’ambiente acustico, favorendo un suono consapevole.

Il maestro racconta l’efficacia dello studio notturno come allenamento all’ascolto sottile e alla precisione nel groove, anche su repertori apparentemente non jazzistici.

Analizziamo le potenzialità espressive delle spazzole, non solo in funzione atmosferica ma anche come mezzo per articolare groove e accenti con continuità e controllo dinamico.

L’importanza degli arti inferiori come fondamenta del groove, suggerendo di utilizzarli per esporre temi e articolare frasi ritmiche con logica melodica.

Il maestro propone l’idea di essere una big band di se stessi, sviluppando l’indipendenza degli arti e una visione orchestrale del drum set, ispirata all’ascolto delle grandi orchestre.

Introduciamo il concetto di tonica ritmica, ovvero quei punti chiave che danno coerenza all’accompagnamento e all’improvvisazione, facilitando il dialogo con l’ensemble.

Mettianio in relazione il bebop con linguaggi attuali come rap, hip hop e drum&bass, mostrando come le strutture ritmiche siano state precorritrici di estetiche contemporanee.

Il maestro spiega come costruire un assolo efficace partendo da cellule tematiche, mantenendo sempre un legame col brano e privilegiando l’intenzione musicale alla dimostrazione tecnica.

Introduciamo il lavoro con metronomo e sequenze come esercizio di timing, invitando a trattare le macchine come partner musicali, valorizzando il dialogo anche con elementi digitali.

Proseguiamo il discorso sulle sequenze elettroniche esplorando il lavoro per sottrazione e accento, integrando scrittura moderna e groove elettronico in un’ottica di ricerca continua.